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—— 专访艺术家于海波，解构 “创造性破坏” 中的文明救赎
记者： 文化周刊特派员
日期：2025 年 9 月 5 日
核心提示：当宋代建盏的裂痕遇上大漆的温润，当矿物颜料的佛像在火焰中化为灰烬残影，艺术家于海波以 “创造性破坏” 重构传统材料，在残缺与新生的辩证中，搭建起东方哲学与当代艺术的对话桥梁。其作品不仅在 2025 年典藏驿站中溢价超 200%，更引发关于 “文物活化” 与 “美学创新” 的深度讨论，成为文化资本关注的焦点。
一、材料革命：残片与漆艺的时空对话 —— 从 “工具” 到 “主角” 的颠覆
记者：您的《救赎》系列以宋代建盏残片为核心材料，用大漆填补裂痕，这种 “带着伤痕创作” 的方式，最初是如何产生的？
展开剩余91%于海波：第一次见到宋代建盏残片时，我触摸到釉面的冰裂纹，像摸到了时光的褶皱 —— 那些裂痕不是 “破损”，而是窑火、岁月、使用痕迹共同留下的 “文明指纹”。当时我就在想，为什么一定要 “修旧如旧”？大漆从漆树的创伤中分泌，本身就是 “痛而后生” 的物质，用它来修复建盏，是两种 “创伤载体” 的共生，也是古今工匠精神的对话。比如《救赎》系列作品，我保留了建盏原有的特色纹脉 —— 那是宋代斗茶文化的物质见证，再用朱漆沿着裂痕层层髹涂，漆液渗入瓷隙的过程，就像给历史伤口敷上 “当代药膏”，最终形成 “刚柔并济” 的肌理，瓷的脆对应生命无常，漆的韧象征创伤愈合。
记者：《还能辨认的佛》系列用焚烧矿物颜料的方式创作，火焰灼烧后的灰烬残影，为何会成为您表达 “形灭神存” 的载体？
于海波：焚烧本身就是一场 “哲学仪式”。我先用矿物颜料在宣纸上画佛像，朱砂的红、石青的蓝，都是最 “实在” 的色彩；但当火焰舔舐画面，颜料碳化、纸张卷曲，最后只剩下灰白色的灰烬，佛像轮廓却在残灰中若隐若现 —— 这种 “看得见的毁灭” 与 “看不见的留存”，恰好是佛教 “不执于相” 的视觉化。有观众问我，“把好好的画烧掉，不可惜吗？” 其实 “可惜” 正是作品的一部分：我们总执着于 “形” 的完整，却忽略 “神” 的永恒。就像人会老去、器物会破损，但精神可以通过另一种形式延续。2006年在中国美术馆一次展出《还能辨认的佛》时，有位老僧人站在作品前看了半小时，最后说 “这是把‘无常’真正的复活了”，那一刻我知道，这种表达被读懂了。
记者：盲文纸在《镜子》系列中的运用很特别，触觉符号与视觉模糊性的碰撞，是想挑战观众的感知边界吗？
于海波：没错，我想打破 “视觉至上” 的艺术认知。《镜子》系列的基底是盲文纸，我在上面涂覆半透明的矿物颜料，盲文的凸点透过颜料隐约可见，观众既看不清完整的盲文语义，也摸不到纯粹的触觉符号 —— 这种 “两难”，其实是对梅洛 - 庞蒂 “身体现象学” 的回应：我们对世界的认知，不该只依赖眼睛，更该调动全身的感知。有位视障观众曾用手触摸《镜子》，他说 “能摸到颜料的厚度，也能感觉到盲文的凹凸，就像在‘读’一幅看不见的画”，这正是我想要的效果：艺术不该有 “感官边界”，残缺的感知反而能唤醒更本质的理解。
二哲、学锚：点东方美学的当代转译 —— 从 “符号” 到 “思想” 的升华
记者：您的作品里能看到佛教 “无常”、道家 “阴阳”、侘寂美学的影子，这些传统哲学是如何融入当代创作的？
于海波：不是 “融入”，而是 “转译”—— 用当代材料讲东方故事，而不是把传统符号贴在作品上。比如 “阴阳”，我不会画太极图，而是通过材料的对立统一来表达：建盏的 “刚” 与大漆的 “柔”、焚烧的 “毁灭” 与残影的 “留存”、盲文的 “触觉” 与颜料的 “视觉”，这些矛盾关系本身就是 “阴阳转化” 的具象化。再比如侘寂美学，《救赎・圆缺》系列用破碎的碗底拼出不完整的圆弧，故意保留缺口，因为 “圆满” 在东方哲学里从来不是 “没有缺陷”，而是 “接纳缺陷”。《道德经》里说 “大成若缺”，我想让观众看到，那些裂痕不是 “遗憾”，而是 “光照进来的地方”。
记者：您曾提到作品是 “时间折叠” 的载体，宋代建盏（过去）、大漆修复（现在）如何形成 “永恒循环” 的叙事？
于海波：时间在我的作品里不是线性的，而是重叠的。比如《救赎・大观》，基底是宋代龟裂纹残片，釉面的冰裂效果是 1000 年前窑火冷萃时形成的；我用大漆修复时，漆层会随着时间氧化变色，从最初的浅褐色变成深黑色；最后我在漆面上镶嵌螺钿，螺钿的光泽会随观看角度变化 —— 这三件事，分别发生在宋代、现在和未来（观众观看的瞬间），却同时存在于一件作品里。这就像《周易》的 “周行不殆”，过去没有消失，现在也不是终点，它们在材料里相互渗透，形成永恒的循环。2025 年网易对我的访谈里，我曾说 “我的作品是‘时间的琥珀’，把不同时代的痕迹封存在一起”，就是这个意思。
您记者：西方观众曾误读的灰烬佛像为 “反宗教”，您如何看待这种文化差异带来的解读偏差？
于海波：这很正常，文化语境不同，解读自然会有差异。西方观众可能习惯了 “具象的宗教符号”，比如写实的佛像、圣经故事，所以看到 “灰烬中的模糊佛影”，会觉得是 “对宗教的消解”。但实际上，这是禅宗 “不立文字” 的表达 —— 佛性不是靠 “看” 到的，而是靠 “悟” 到的。后来我在展览中加入了 “创作过程影像”，让观众看到火焰如何灼烧、灰烬如何形成，他们慢慢理解了 “形灭神存” 的含义。有位西方策展人说，“这是东方人对‘信仰’的独特理解，不是否定，而是超越”。这种跨文化的沟通，其实也是我作品的一部分价值。
三、争议与突破：传统文脉的创造性激活 —— 从 “质疑” 到 “认可” 的跨越
记者：有传统派质疑您 “破坏古瓷残片” 是对文化遗产的亵渎，您如何回应这种声音？
于海波：首先要明确一个前提：我使用的建盏残片，都不是 “完整文物”，而是考古发掘中的 “边角料”，或者民间流传的 “残损件”，它们本身已经失去了 “实用功能” 和 “完整的审美价值”。如果把它们放在仓库里，只会慢慢风化，失去所有意义。而我的修复，不是 “破坏”，而是 “激活”—— 通过大漆、颜料的介入，让这些残片承载新的故事，成为连接古今的 “文化媒介”。比如《救赎・建窑》那件作品，我在残片背后刻上了 “宋代斗茶诗”，观众既能看到建盏的釉色，也能读到历史文献，这种 “物质 + 文字” 的结合，让残片的文化价值得到了延伸。同时，我每件作品都会附上 “瓷片鉴定报告”，标明窑口、年代、残损原因，确保历史信息的透明性。我始终认为，文化遗产的保护不是 “封存不动”，而是让它 “活在当下”。
记者：您的作品市场表现亮眼，2025 年典藏驿站竞拍《救赎》系列溢价超 200%，限量衍生品溢价达 300%，您认为这种高溢价的核心是什么？
于海波：不是 “艺术品炒作”，而是 “文化价值的认可”。我的作品有两个核心价值锚点：一是 “材料的独特性”—— 古瓷残片是不可再生的，每一片都有唯一的历史痕迹；二是 “哲学的稀缺性”—— 用东方哲学解读当代精神困境，这种表达在全球化语境下是稀缺的。比如限量衍生品 “涅槃盏”，我用现代陶瓷复刻宋代建盏的器型，再用大漆模拟 “修复痕迹”，既保留了传统美学，又符合当代生活场景，所以受到市场欢迎。但我也很清醒，市场溢价不是最终目的，而是 “文化传播的手段”—— 更多人通过收藏我的作品，开始关注宋代陶瓷、传统漆艺，这才是更重要的。
记者：您觉得自己的艺术实践，对 “东方美学当代化” 有什么启示？
于海波：最重要的是 “不做搬运工，要做翻译官”。东方美学不是 “龙、凤、青花瓷” 这些表面符号，而是背后的哲学思想、审美情趣。比如 “天人合一”，不是画一幅山水，而是像我这样，让材料的自然属性（建盏的裂痕、大漆的流动）与创作理念结合，尊重物质本身的 “生命”；再比如 “意境”，不是靠画面构图，而是靠 “灰烬的朦胧”“漆层的厚重” 让观众产生联想。现在很多艺术家想做 “东方当代艺术”，但容易陷入 “符号堆砌”，其实真正的突破，是把传统哲学 “转化” 为当代人能理解的视觉语言 —— 让不懂佛教的人能感受到 “无常”，让不了解道家的人能体会 “阴阳”，这才是东方美学当代化的关键。
四、艺术家自述：在毁灭中播种永恒
记者：如果用一句话总结您的创作理念，您会怎么说？
于海波：“修复不是掩盖伤痕，而是让伤口成为文明进化的年轮。” 大漆从漆树创伤中分泌，建盏在破碎中与我相遇，我的作品也在争议中成长 —— 所有的 “不完美”，都是走向 “完整” 的必经之路。
记者：未来您会继续深耕 “古瓷 + 大漆” 的创作方向吗？
于海波：会，但也会拓展更多 “创伤材料”。比如我正在准备的《记忆的碎片》系列，会用老建筑的砖瓦残片、旧书信的纸角，结合漆艺和矿物颜料，讲述普通人的生命故事。我想让 “创造性破坏” 不只停留在 “高端艺术” 层面，也能走进普通人的生活 —— 毕竟，每个人的生命里都有 “裂痕”，而我的作品，就是想告诉大家：那些裂痕，正是光照进来的地方。
• 学术价值：搜狐文化在《涅槃美学在当代艺术中的转译》中评价，于海波的 “材料哲学” 将古陶瓷研究从考古学推向当代艺术话语，为 “东方美学当代化” 提供了 “范式级案例”。
• 市场趋势：据 近年行业拍卖报告，其作品收藏群体从 “传统藏家” 向 “文化基金、企业藏家” 拓展，分析指出 “争议性创作伴随高溢价潜力，需配套公众美学教育降低认知风险”。
• 文化意义：作品多次参加藏家私域展、国际艺术周等国际展览，成为 “中国当代艺术走出去” 的重要样本，有效破解了西方对 “东方艺术” 的符号化认知。
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